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Le Tedeschi Trucks Band couronne une autre année remarquable de transition et de croissance, alimentée en partie par des tragédies.

Susan Tedeschi rentre à la maison cette semaine. Et elle ne voyage pas facilement.
Le Tedeschi Trucks Band – la comédie musicale de 12 membres Moloch Tedeschi, fondée avec son mari Derek Trucks – terminera l’année avec une série de spectacles au Orpheum Theatre de Boston, un lieu non loin du Berklee College of Music Tedeschi et a étudié les clubs dans laquelle elle est apparue comme une artiste de blues montante au milieu des années nonante. Tedeschi, également diplômé de Norwell High School, accueillera sans aucun doute de nombreux amis et membres de la famille de la côte sud à ces spectacles, qui auront lieu ce jeudi, vendredi et samedi.

Depuis que Tedeschi et Trucks ont fusionné leurs projets individuels et combiné leurs forces, ils sont sur un tour de montagnes russes. D’une part, ils essaient de développer un son qui utilise leurs forces tout en poussant leurs talents dans de nouvelles directions. Dans le même temps, ils ont dû faire face à des changements de personnel et aux ambiguïtés générales d’une industrie de la musique qui n’est plus si facile à naviguer pour trouver un groupe d’improvisation sophistiqué, centré sur la guitare, orienté vers les chansons, les techniques d’enregistrement de la scène musicale préfèrent les années 70 et préfèrent rester plusieurs nuits jouer dans un théâtre, que de passer une nuit sur une patinoire de hockey.
Le groupe couronne une autre année remarquable de transition et de croissance, dont certaines s’inspirent de tragédies.

Le claviériste Kofi Burbridge, un acteur original, est décédé en février. Burbridge était un musicien de clavier et de flûte doué, ainsi qu’un compositeur ouvert d’esprit qui a façonné une grande partie du son du nouvel album de Tedeschi Truck, Signs. Burbridge et Trucks se sont réunis pour la première fois en 1999 lorsque le claviériste a rejoint le groupe solo de Trucks et a partagé l’appétit insatiable du guitariste pour trouver de nouvelles façons d’extraire l’esprit sacré des notes, des accords et des rythmes. Burbridge a rejoint le Tedeschi Trucks Band, où lui et Tedeschi ont découvert qu’ils avaient une chimie musicale très naturelle.
Tedeschi a déclaré qu’il était ironiquement ironique que Burbridge, qui avait longtemps lutté contre des problèmes de santé et pris une pause dans le groupe, soit décédé le jour de la libération de Signs.

« C’était un si gros record pour Kofi », a déclaré Tedeschi. « Nous devons voir Kofi dans son élément. Il était un musicien parfaitement accompli piégé à tous les niveaux en tant que joueur et compositeur. Mais il était toujours aussi doux et modeste.  »
Les signes sont généralement un gros record pour l’ensemble du TTB. Il démontre l’étendue et la profondeur du groupe, reflétant les influences et honorant les héros, tout en entraînant un son contemporain. C’est un son qui aurait été dans l’esprit de Tedeschi and Trucks lorsque ce groupe a été fondé, mais il a juste fallu du temps et les bonnes personnes pour trouver comment y arriver.
« Ce sera dix ans pour ce groupe l’année prochaine », a-t-elle déclaré. « Ça ne fait pas 10 ans, mais je regarde en arrière et nos enfants étaient petits quand ça a commencé – ils n’avaient que sept et cinq ans – c’est fou de penser: » Comment est-ce arrivé?  »
Mais Tedeschi répond à sa propre question: « Il n’y avait pas de règles. On pourrait faire du delta blues. Nous pourrions couvrir David Bowie. « Ils ont fait cela et bien plus encore en associant country, jazz, soul, funk, folk et toutes sortes d’autres racines et traditions musicales. En tant que chef d’orchestre, Trucks laisse les musiciens sortir du groupe et fait de leur mieux pour le projet, plutôt que de simplement leur dire de suivre les instructions.
TTB s’est retrouvé avec de nouvelles « voix » et du nouveau matériel à partir de 2019. Gabe Dixon est maintenant fermement à bord après que Burbridge ait quitté le groupe. Et puis il y a le jeune bassiste de Powerhouse Brandon Boone, qui a remplacé Tim Lefebvre, qui a quitté le groupe après la course Orpheum de l’année dernière. Dixon et Boone se sont parfaitement intégrés à cette équipe aux multiples facettes. La section de cor du saxophoniste Kebbi Williams, du trompettiste Ephraim Owens et du tromboniste Elizabeth Lea est explosive et le complément parfait au travail fougueux de Truck sur la guitare slide. Tedeschi a tendance à remplir les parties de guitare basées sur le blues les plus piquantes et traditionnelles et a construit une gamme vocale impressionnante pendant son temps dans ce groupe. Tedeschi n’est pas la seule voix puissante du groupe – Mark Rivers, Mike Mattison et Alecia Chakour forment un chœur paradisiaque qui donne aux performances une texture et des couleurs riches. J.J. Johnson et Tyler Greenwell sont les deux batteurs qui ont tout dans leurs poches.

Trucks orchestre l’action sur scène, chaque spectacle ayant sa propre setlist et sa propre ambiance. Les chansons sont généralement traitées différemment d’une performance à l’autre, et même avec un si grand groupe essayant de se déplacer dans une direction unifiée, Trucks n’a pas peur de prendre des risques.
« Vous ne savez pas ce qui va se passer jusqu’à ce que Derek vous regarde », a déclaré Tedeschi. « Nous jouons quelque chose sur lequel je n’ai pas normalement de solo, mais il me regarde et me laisse jouer en solo. » Je lui demanderai pourquoi il voulait que je joue en solo là-bas, et il dira qu’il pensait que je n’ai pas joué pendant un certain temps. Je lui dis juste que je suis content que tu me fais confiance.  »
Trucks jouait de la guitare dans le Allman Brothers Band quand lui et Tedeschi se sont rencontrés il y a 20 ans. Profondément dans le recueil de chansons classique d’Allmans et en tournée avec Eric Clapton, Tedeschi a été salué lors de tournées par les générations précédentes d’artistes de blues tels que BB King et Taj Mahal, ainsi que par des membres des Grateful Dead qui les ont recrutés pour tourner avec eux en 2002. quand ils sont allés comme les autres.
Chaque soir, Tedeschi et Trucks célèbrent cette connexion depuis la scène en traitant les chansons d’Allman, The Dead’s Sugaree, plusieurs chansons associées à Clapton et des numéros de blues classiques tels que « How Blue Can You Get » et « I Pity the Fool » équilibre cela avec son propre répertoire, qui a non seulement un son frais mais aussi une perspective fraîche. Par exemple, des chiffres comme « Shame » et « High and Mighty » visent à la folie de notre climat politique actuel.
« Il y a tellement d’obscurité que nous voulions des chansons qui disent que les gens doivent être tenus responsables », a déclaré Tedeschi.
Mais le groupe a aussi de beaux numéros lyriques qui célèbrent les parties bienveillantes de la vie. Elle a plaisanté en disant que «Renforcer ce qui reste» de Mattison ressemble à un «classique de Disney».
Tedeschi a déclaré que le groupe ferait une pause inhabituellement longue. Aucun spectacle n’est prévu pour mars, avril et mai, mais le groupe sera de retour en tournée pour sa tournée annuelle multi-groupes Wheels-of-Soul.
Ne vous attendez pas à une vente difficile de nouveau matériel lorsque le groupe arrivera dans leur résidence Orpheum. Les chansons des quatre albums studio du groupe – ainsi que les chansons de l’offre apparemment infinie de versions de reprises – sont prêtes pour la performance.
Tedeschi a dit qu’elle voulait voir certains de ses matériaux révolutionnaires de l’album Just Will not Burn comme « Rock Me Right » et « It Hurt So Bad » dans les setlists.
Pas une mauvaise idée pour un spectacle de retour aux sources.

L’outil restera pertinent tant que le groupe pourra libérer efficacement ses délices cauchemardesques pour les fans avides.

  L’outil défie la convention en tant que vedette convoitée de l’arène. Le groupe joue un amalgame sombre de métal, de gothique et de rock prog dans des chansons souvent longues et ternes. Le chanteur Maynard James Keenan se cache sur la scène en arrière-plan, tandis que le guitariste Adam Jones et le bassiste Justin Chancellor avancent et le batteur Danny Carey occupe le devant de la scène comme l’élément le plus virtuose du groupe. Et ils sont éclipsés par un léger spectacle d’images dérangeantes.
  Les chansons de Fear Inoculum, le premier album de Tool après 13 ans de défis commerciaux et créatifs, sont particulièrement longues, même si elles s’avèrent frustrantes de manière conventionnelle, car il s’agit d’une réédition polie et répétitive de la riche tradition du groupe. (Arts Fuse Review) Cependant, le groupe le plus récemment responsable de Boston Calling en 2017 n’a eu aucun problème à vendre TD Garden jeudi à des prix commençant à 100-150 $.
  Tout cela a exercé une pression supplémentaire sur Tool alors que le concert de plus de deux heures jeudi a commencé avec la chanson titre de 10 minutes de Fear Inoculum. Un rideau de rubans déchirés entourait le groupe pour créer un tourbillon d’images 3D et obscurcir partiellement les joueurs, complété par la voix sombre de Keenan dans un mélange inégal de sons.
  Une autre chanson-titre de l’album exceptionnel du groupe de 1996, imanima, a suivi avec plus de puissance musculaire de la guitare fouettée de Jones sur les tambours à double pompage de Carey. « Apprenez à nager », cria Keenan à contrecœur, alors que des animations effrayantes et tournoyantes et un son dense amplifia la sensation claustrophobe de la chanson. Néanmoins, les fans ont rapidement chanté « The Pot », où Keenan – qui ressemblait à un roi joker dans sa couronne mohawk hérissée et son maquillage des yeux noirs – a chanté « Vous devez avoir été hors de son esprit » avant qu’il ne le fasse accroupi et le surfeur se balançait comme un méchant sur son poteau arrière.

  Mais le rideau s’est finalement cassé et le mélange s’est lentement effacé – ou peut-être que les oreilles se sont adaptées au monde insulaire de Tool. Des lasers ont aspergé les chevrons lorsque le groupe est tombé sur « Pneuma », l’une des meilleures pistes de Fear Inoculum (puisque « 7empest » n’est pas apparu sur la tournée), et Keenan s’est même moqué de sa position insaisissable. Le chanteur a mis un doigt sur ses lèvres, glissant d’une plate-forme et cherchant un (faux) ampli Marshall pour bloquer son visage alors qu’il portait l’accessoire sur l’étage inférieur et le posait sur la plate-forme de l’autre côté. ,

  Des réfractions de la lumière de lave dans « pneuma » aux vrilles qui se développent d’une tête effrayante dans « schisme » à une puce absorbant les yeux dans un « vicariant » à couper le souffle alimenté par le labyrinthe de Carey de tourbillons de tambour et d’accents de guitare. Souvent, la chancelière changeait les rôles habituels de ses instruments, alors qu’il traitait régulièrement de hautes ponctuations à la basse, tandis que Jones avec des accords de guitare épais et sporadiquement atonaux tenait le bas de gamme. En plus de Peter Frampton Jones réalisé à Jambi pour un solo bruyant, rejoint par Roi Robertson, également opener sombre « Killing Joke » pour un solo de synthé altérant le son. La seconde moitié de l’ensemble a gagné en intensité avec le coup final des pépites de 1993 « Intolérance » (Keenan a noté que les fans de moins de 30 ans « n’étaient même pas du sperme » quand il a été écrit) et « Forty Six & 2 » « , qui étaient imprégnés du caractère idiosyncratique de Carey étaient des combinaisons pelviennes de type poulpe.

  Carey a profité de la joie de la nuit – et a prononcé le rappel quand il est sorti après une pause de 12 minutes (sur une montre-horloge) qu’il avait échangé Celtics Green avec le numéro de Larry Bird pour un maillot de son rival Lakers nom et numéro personnels. Il a évoqué une bande sonore d’un gong gigantesque avant de mettre des percolations électroniques derrière le Kit-Flurrys de « Chocolate Chip Trip », l’une des traces de remplissage qui lie l’inoculum Fear de plus de 80 minutes.
  « Les guerriers se battent pour rester pertinents », a ironisé Keenan dans le nouveau « Invincible », avant que le chanteur n’assouplisse une politique militante sans caméra (coincée sur le terrain à travers l’arène) pour les téléphones portables au siège. Roll banging final. « Stinkfist. » Il y avait certainement moins de préoccupations quant à la pertinence de Tool, car le groupe peut encore déchaîner efficacement ses délices cauchemardesques pour les fans passionnés, dont beaucoup sont prêts à entrer dans la Mohegan Sun Arena le 21 novembre pour une autre forte dose. du Connecticut.

Après une éternité apparente, Godsmack et Shinedown sont retournés à l’amphithéâtre du lac Darien mardi soir. Les deux groupes sont apparus pour la première fois depuis leur apparition au Uproar Festival en 2012. Les 10 000 spectateurs étaient assis sous la pluie qui avait débuté pendant le tournage de Shinedown et avait traversé Godsmacks. Le produit a été livré par les deux groupes, car ils ont récemment sorti de nouveaux albums et les nouvelles chansons sonnaient bien mélangées au matériel plus ancien.

  Ce n’était que la deuxième nuit de la tournée au cours de laquelle les groupes jouaient du hangar dans la rue jusqu’au début du mois de septembre. Les trois groupes ont fait de leur mieux et livré des sets exceptionnels.

  Godsmack a terminé le spectacle. Avec le leader et fondateur Sully Erna à l’avant et au centre, le groupe a tiré sur tous les cylindres. Le groupe comprend également le guitariste Tony Rombola, le bassiste Robbie Merrill et le batteur Shannon Larkin. Si vous venez de voir le spectacle acoustique solo de Sully, vous n’avez pas encore vu le véritable Sully. Il semble qu’il adopte une personnalité différente avec Godsmack! Le groupe a présenté des chansons de leur dernier essai When Legends Rise.

  Le groupe semblait être au sommet de leur jeu de la première chanson à la dernière chanson de « I Stand Alone ». Pas trop mal, considérant que le groupe n’a pas fait de tournée complète depuis 2015.

  La distribution de Shinedown est restée la même depuis 2008. À l’époque, le bassiste Eric Bass a rejoint le guitariste Zach Myers, le batteur Barry Kerch et le chanteur Brent Smith. Le groupe a récemment sorti son sixième album studio Attention Attention, qui a reçu de très bonnes critiques. Le groupe a joué trois chansons de la sortie, y compris leur premier et plus proche single « Devil ».

  Nul doute qu’il n’y avait pas de meilleur moment dans la nuit que des « ennemis » lorsque la foule l’a absorbée, même si la pluie tombait, cela n’a empêché personne de partir. Une chanson dans votre visage, dans laquelle tout le monde pomper les poings en l’air. Le public semblait le plus animé à ce stade du spectacle.

  Le spectacle a été ouvert par Like A Storm, qui a gagné beaucoup de nouveaux fans avec un set rapide et énergique. Le groupe est composé des frères Chris, Matt et Kent Brooks et du batteur Zach Wood. Bien que le set des Néo-Zélandais ait été court, ils ont laissé une impression durable sur ceux qui ont décidé d’enregistrer le groupe avant que les têtes d’affiche n’entrent en scène.

  Des forfaits comme celui-ci avec des groupes de ce genre rock post-grunge moderne sont exactement ce que le médecin a commandé. Deux groupes bien établis comme Godsmack et Shinedown avec un autre groupe prometteur comme Like A Storm, sur le point de faire quelque chose de bien. Si cette émission avait eu lieu le week-end, elle aurait été plus proche de 15 000 à mon avis. Peut-être en rendant les festivals Uproar et Mayhem, qui contribueraient également à augmenter le nombre de visiteurs. Ne vous méprenez pas, plus de 10 000 le mardi soir n’est pas mauvais. Les deux groupes ont définitivement fait le bonheur des fans chez eux.

Si cela se révèle être la dernière fois que Styx a joué contre Rochester, NY, ils y sont allés avec des armes à feu. Le groupe est rentré dans la ville mardi soir pour son dernier album, The Mission. Le groupe a joué deux sets d’une heure qui comprenaient la plupart de son énorme catalogue de hits et de pierres précieuses AOR, et a également donné une bonne dose de The Mission, qui a été très bien reçu par le public.

  Le groupe est entré en scène à 8h15 au son de « Gone Gone Gone », The Mission est hors piste. Le groupe a ensuite plongé dans les agrafes « Blue Collar Man », « The Grand Illusion » et « Lady ». Le premier joyau de la nuit était « Snowblind ». Le guitariste James « JY » Young a fait une référence météorologique appropriée en présentant la chanson, chantée à la fois par lui et le guitariste Tommy Shaw.

  Ensuite, le groupe a présenté un trio de chansons de The Mission. C’est au cours de « Cent millions de kilomètres de chez soi » que le bassiste original Chuck Panozzo a fait sa première apparition de la soirée. Le personnel de Shaw à The Mission Will Evankovich est également venu jouer de la mandoline. Le groupe a également joué sur « Radio Silence » et « Red Storm », le tout avec une voix de plomb. Ce dernier a également montré le batteur Todd Sucherman, qui a prouvé ses talents sur une piste de batterie complexe.

  Le groupe a terminé le premier set avec « Light Up ». « Tromper vous-même » et « Suite Madam Blue », ce dernier est un joyau de l’Equinox, qui contenait une voix étonnante du claviériste Lawrence Gowan.

  Les faits saillants du deuxième set ont été deux chansons de Damn Yankees, que Shaw a joué seul et a servi de précurseur à ce que beaucoup considèrent comme la meilleure chanson du catalogue Styx Crystal Ball. À partir de là, d’autres pièces exceptionnelles telles que « Pieces of Eight » et « Come Sail Away » finiraient le spectacle.

  En 2018, après avoir été « M. Roboto « a intégré le groupe au groupe pendant de très nombreuses années et il a été bien accueilli. Beaucoup pensaient que c’était une chose unique, mais le groupe l’a gardé au moins pour cette année. Le classique de Shaw, « Renegade », a mis fin au spectacle comme d’habitude.

  Le groupe n’a pas changé depuis l’entrée du bassiste Ricky Phillips en 2003. Pour être honnête, le groupe n’a jamais sonné mieux en live. Jouer ensemble pendant seize ans rendra un groupe extrêmement serré, et cela tient en grande partie au fait que tout le monde aime vraiment ce qu’il fait. Chaque membre du groupe a sa chance sous les projecteurs. Bien que chaque membre soit un ingrédient très important dans la recette du groupe, je pense qu’il serait très juste de dire que Tommy Shaw est l’élément principal qui tient le tout. Sans Shaw à bord, ce groupe n’aurait pas autant de succès qu’aujourd’hui dans leur carrière. Il semble que, à chaque tournée du Styx, les spectacles deviennent de mieux en mieux. Avec un nouvel album fantastique, je suis impatient de voir ce que le groupe va faire ensuite. Il reste encore quelques chapitres à écrire dans le livre d’histoire de Styx.

Liquidation: Knocked Loose a joué pour la troisième fois à Webster Hall à New York dimanche. Le groupe hardcore du Kentucky jouait dans le studio du sous-sol de la salle (400 places), puis dans la salle Marlin (600 places) et était désormais en tête d’affiche dans la Grand Ballroom (1 500 places) de la dernière salle rénovée – preuve de leur développement musical et musical. Popularité après la sortie de leur deuxième album, A Different Shade of Blue, en août. Ajoutez un paquet de tournées empilées avec des numéros de soutien (« Stick Up Your Guns », « Rotting Out », « Candy » et « SeeYouSpaceCowboy ») et le projet de loi est devenu une cible de choix pour les amateurs de hardcore dans la région des trois États ,

Entrer dans la scène: La facture à six bandes permettait de se lever tôt à 18h30. Commencez lorsque les fans se sont rassemblés pour le premier match local, Combust et Metalcore, ont lancé SeeYouSpaceCowboy. Lors du dernier set, la salle n’était pas remplie, laissant au rez-de-chaussée une immense salle pour le danseur de slam, qui donnait un coup de pied et se frayait un chemin vers les autres spectateurs. Leurs acrobaties – une combinaison de breakdance, de karaté et de battements rythmiques – semblaient tout à fait dangereuses pour le spectateur sans méfiance et se détournaient du chaos.

Pendant le stop-start mathématique de SeeYouSpaceCowboy, le Metalcore rythmique est régulièrement joué par Candy. La vitesse à pleine vitesse hardcore était assortie de pépins et de changements de tempo satisfaisants, qui ne servaient qu’à garder la boîte active. Après Candy, les punks hardcore californiens ont apporté une ambiance totalement différente sur la scène et ont canalisé le hardcore new-yorkais, alors que le chanteur trapu Walter Delgado met au micro des demandes personnelles et passionnées. Pendant ce temps, la salle était remplie et la fosse au milieu du sol en nombre et en intensité.

Lorsque le chanteur Jesse Barnett a tenté de déplacer la foule de la tempête sur scène, il n’a pas été autorisé à se rendre à Webster Hall (malgré la douceur du lieu face à la brutale moshing dans le pit). Il peut appeler les agents de sécurité dans la fosse à photos avec la police et les appelle « juste une suggestion ». « Si tu veux monter ici, viens ici, » cria-t-il. Au cours de la chanson suivante, un fan a essayé de faire cela et a sauté par-dessus la barrière pour être saisi par un vigoureux gardien alors qu’il tentait de monter sur scène. Lorsque le garde a sonné, Barnett a enroulé le câble du microphone autour de son cou et l’a tiré vers lui. En colère, l’agent de sécurité a dû être rassuré par un collègue de la sécurité lorsque Barnett l’a regardé. Oui, Hardcore prêche l’anti-autoritarisme, mais c’était une action particulièrement dangereuse de Barnett contre un agent de sécurité qui essayait juste de faire son travail. Sinon, c’était un puissant ensemble de Stick To Your Guns.

Avant que Knocked Loose ne continue, l’AP a été inondée d’un mélange ahurissant de chansons country, permettant au public de nettoyer la palette de sons. « Blue » de LeAnn Rimes a fourni la référence ponctuelle au nouvel album du groupe et a marqué le début de leurs sets divertissants. Commençant par « Caught in Memory » et « All My Friends », ils ont plongé la fosse dans une folie féroce de thrashers et de maniaques de la bombe à piqué qui sont inactifs. Personne n’a semblé s’opposer; Si vous étiez sur le terrain, il était entendu que vous pourriez partir avec quelques ecchymoses, des lunettes cassées ou une chaussure perdue. Le guitariste Isaac Hale joue juste la bagarre et saute sur le micro avant que ne surviennent des accidents, d’une voix gutturale: « F ** k this place up! » Ou « Go! » Pour crier. La chanteuse Bryan Garris met une présence positive entre les chansons et est dédiée à la communauté LGBTQ + et « à toutes les femmes du public ». Il exprime la foule qui lui est destinée: « Je l’ai répété à maintes reprises, mais le Nord-Est est le meilleur endroit pour les spectacles.  »
Dix des 12 morceaux de A Different Shade of Blue ont été ajoutés à la liste, et beaucoup dans la foule connaissaient tous les mots et ont demandé leur engagement envers le jeune groupe de hardcore. Ils ont appelé le refrain dans « Belleville » et « Mistakes Like Fractures » directement au chanteur Bryan Garris, dont le grondement distinctif et hautement enregistré a brisé le mélange. Knocked Loose est une formule, le public a testé et approuvé et combiné le hardcore vertigineux à des pannes dévastatrices, au Death Metal ou à quelque chose qui ressemble à ce qu’aurait écrit le regretté Jeff Hanneman de Slayer. Le groupe a définitivement fait son chemin sur la grande scène de Webster Hall. « Cela signifie le monde pour nous », a déclaré Garris à propos de son développement de la salle du sous-sol de la salle. Knocked Loose ne jouera que dans des salles plus grandes et à mesure que leur base de fans s’agrandit et que leurs chansons deviennent plus strictes, plus lourdes et plus rapides.

De la scène de l’O2 Arena, Cher prononce un discours. Cela a commencé comme une anecdote à propos de son 40e anniversaire, mais c’était il y a longtemps. Depuis lors, il s’est écarté de son thème initial, allant de Madonna à David Letterman, l’ancien présentateur de causerie, au fait que les écoles américaines n’enseignent plus aux élèves à écrire en italique, à Donald Trump Asshole « ) et Boris Johnson ( » Pas beaucoup mieux « ) avant que le sujet soit atteint par l’âge de Cher. « Les gens applaudissent quand je dis que j’ai 73 ans », note-t-elle, « et je me demande si c’est parce que je suis encore en vie, » conclut-elle avec un sourire, « qu’importe? ta grand-mère ce soir? « 

  Voilà la réponse inévitable: je ne suis pas sûr, mais je ne me tiens probablement pas devant un éléphant mécanique géant avec des défenses éclairées et des yeux et je ne chante pas une sorte de version AOR-radio du vieil hymne sanscrit Gayatri Mantra, c’est Cher. Le public semble moins surpris par cette tournure que ce à quoi vous vous attendiez, mais assez bien, Cher a retiré tout l’éléphant mécanique avec des défenses illuminées / version AOR funk des tours du mantra Gayatri lors de leur supposée tournée d’adieu, il y a 14 ans. et quelque chose à propos du pouvoir absolu de la reddition de la foule suggère qu’il était probablement là à l’époque.

Reprise ou pas, c’est l’un des interludes les plus déconcertants d’une série dont le titre évoque de manière ludique sa retraite aujourd’hui dépassée en empruntant une phrase à Abba: Here We Go Again. Abba a beaucoup à offrir ce soir: trois reprises qui apportent leurs propres succès dans le set, notamment Gypsies, Tramps and Thieves, preuve du succès critique et commercial de leur album Dancing Queen de 2018. En fait, c’est gros le dernier jour, en gardant sciemment le point de Cher. Ils reçoivent beaucoup plus d’Abba et d’Euro Disco Oompah dans le style de leur Smash Believe de 1998 plus que toute autre chose, y compris la ballade des années 80 sur un cuirassé Cher – leur guitariste qui semble être venu tout droit du American Department of Rock ‘ Les guitaristes n’Roll de Central Casting ne peuvent vraiment compter que sur If i Back Back Time lorsque j’ai trouvé quelqu’un – et l’avocat pop de la contre-culture des années 60, Cher, même si elle chante, je vous ai Babe et le rythme continuent en duo avec leur ex-mari Sonny Bono, sa voix vient de l’AP et son visage est en noir et blanc sur les écrans vidéo.

La setlist vous permet d’incarner le spectacle dans les proportions du Vegas Show. Comme on pouvait s’y attendre, face à l’énorme éléphant mécanique aux défenses éclairées, il ne s’agit pas d’un concert qui se résume à de la subtilité: c’est le genre de concert que les danseurs des années 70 utilisent pour les perruques afro, satin Fusées éclairantes et musique sont accompagnées à partir des années 60, accompagnées de dames vêtues de mini-robes en damier noir et blanc qui dansent tandis que les dames dansaient en mini-robes en damier noir et blanc chaque fois que nécessaire pour marquer les années 1960.

  Si vous souhaitez percer dans la société, vous pouvez vous rendre compte qu’il existe de nombreux interludes lorsque Cher n’est pas sur scène – des chansons entières, y compris Bang Bang, ont plus de chances d’être diffusées sur les écrans vidéo que celles répertoriées. passable – bien qu’elle ait toujours quelque chose à garder ses yeux occupé quand elle est absente, des aériens faisant leurs choses vertigineuses aux images de Cher montrant l’Hôtel Heartbreak dans le retour de la robe Elvis de 1968, compléter avec des favoris attachés.
  En outre, ce n’est pas le genre de société dans laquelle vous voudriez percer des trous. Quand elle est là-bas, sa voix est fantastique et elle a l’air extraordinaire. Le bombardement visuel est implacable et délibéré, stupide, charmant OTT. Elle mentionne qu’elle avait des doutes sur le point d’être de nouveau en tournée avant de se décider: « Salope, tu as 500 ans. Fais-le maintenant. » Une conclusion à laquelle un seul Curmudgeon pensait était faux.

Les tambours sont frugaux et les cordes sont simples, mais il y a quand même un groove et une ambiance. « Je te veux avec ma sœur », sonne une voix gutturale. Bientôt, la chorale frappe et la désinvolture de la chanteuse se transforme en extase. « Nous pouvons faire la fête sur le sol! », Proclame-t-il – et vous, l’auditeur, croyez-le. C’était le phénomène de « Stolen Dance », le grand succès de Milky Chance en 2013. Cette chanson était très amusante – et pas seulement parce que « danse » et « coïncidence » rimaient. Il a brillé dans son étrangeté et a grimpé dans les charts à travers le monde – il était le numéro un en Autriche, en France et dans de nombreux autres pays européens.

  Si vous vous demandez où Milky Chance se trouve maintenant, voici votre réponse. Le trio allemand, composé de Clemens Rehbein, Philipp Dausch et Antonio Gregor, revient avec Mind of the Moon, son troisième album. L’enregistrement sera familier à ceux qui ont déjà entendu Milky Chance. que cela soit réconfortant ou non excitant est dans l’œil du spectateur. Les morceaux résonnent dans le genre électro-folk du groupe: les rythmes sereins prévalent dans les moments de joie et de mélancolie; Un battement régulier et un martèlement doux de la guitare sont des composants importants de chaque piste.

  Un aspect intéressant de Mind of the Moon est qu’il montre Milky Chance emprunté à des influences musicales du monde entier. Un exemple typique: « Fado », le premier titre. Dictionary.com définit le « Fado » comme « une chanson folklorique portugaise typiquement triste ou fataliste et généralement jouée à la guitare ». Bien que Milky Chance ne soit pas un portugais, la chanson convient à tous les égards. « Et si les oiseaux ne pouvaient plus chanter? », Se lamente Jammert Rebhein dans le Vorchor et lui fait mal. Puis, lors d’un effondrement merveilleusement délicat, il répète fièrement: «C’est du Fado». (Les chanteurs remplaçants chantent aussi parfois le « Fado ».) La chanson a une sensation subtile: une ouverture solide.

  « The Game » est une autre chanson entraînante. Au milieu d’influences reggae, on peut facilement imaginer qu’il se joue à midi dans une sorte de burger bar sur la plage. Pourtant, cela ressemble un peu trop au prodige 2014 de Rixton, « Me and My Broken Heart », qui ressemble beaucoup à Rob Thomas « Lonely ». Cela nous amène au problème principal de l’album: beaucoup d’entre eux se confondent. Si vous écoutez à voix basse, vous risquez de manquer certaines transitions.

  Les collaborations apportent de la variété à l’album et font donc partie des morceaux les plus remarquables. « Daydreaming » met en vedette l’auteur-compositeur-interprète australien Tash Sultana et offre l’atmosphère floue que l’on pourrait attendre de son titre – en particulier avec la voix éthérée de Sultana. « Eden’s House » sonne, pour être honnête, comme s’il appartenait à un album très différent – avec le groupe de chorale d’hommes sud-africains, Ladysmith Black Mambazo, c’est un faisceau sonore. Avec ses basses puissantes et ses harmonies célestes, on dirait presque que vous l’écoutez en direct sous un ciel bleu. Ce n’est pas à négliger.

  Dans l’ensemble, Mind of the Moon ne produira probablement pas de listes de fin d’année, mais c’est idéal pour une écoute décontractée et décontractée. Milky Chance utilise souvent des rimes de raison, mélangeant et associant différents mots qui sonnent de la même manière, plutôt que de fournir des lignes qui changent réellement votre façon de penser. Cependant, les invités et les expériences musicales de l’album pourraient attirer des fans. Si vous aimez la musique indie discrète, il y a beaucoup de matière ici pour vous intriguer, bien que vos intrigues puissent fluctuer de temps en temps.

Il y a toujours un groupe que vous voulez vraiment voir, mais pour une raison quelconque, vous ne pouvez pas le faire quand vous êtes en ville. En tant que personne qui va vivre des spectacles récemment, qui a lieu toutes les semaines, cela me tue à chaque fois que je ne vois pas l’artiste que je voulais absolument voir. L’année dernière, j’ai manqué l’occasion de voir Last Dinosaurs à trois reprises, mais le 23 novembre à Park West, à Chicago, j’ai finalement comblé le trou indie rock australien qui me tenait à cœur. Et laissez-moi vous dire que l’attente en valait la peine.

Après avoir écouté un groupe pendant si longtemps et ne jamais l’avoir vu en direct, c’était comme si j’étais sur place, directe et excitée, comme lors de mon tout premier concert. Il n’y a pas de meilleur sentiment que de connecter la musique diffusée que vous entendez normalement au casque à de vrais visages, voix et instruments – ceux que vous pouvez jouer à travers votre poitrine.

Sans Fotogrube ou barrière, qui séparait les fans de la scène, tout le monde était de près. Je vais souvent aux concerts moi-même et un spectacle de Last Dinosaurs est un spectacle où vous pouvez aller et venir seul avec une poignée de nouveaux amis. L’énergie, l’excitation et le pur bonheur qui émanent du groupe sont uniques. Il est presque impossible d’être dans son spectacle sans un grand sourire, surtout parce que son bonheur est si contagieux dans le spectacle.

Bien que le groupe ait un peu de nouvelle musique – leur single « FMU » est sorti début octobre et leur dernier album « Yumeno Garden » a à peine un an – ils ont joué beaucoup de chansons plus anciennes qui ont rendu le public fou. En particulier, une chanson intitulée « Beaux-Mont », issue de leur album « In A Million Years » de 2012, a réuni tous les participants. Les fans, y compris moi-même, connaissaient chaque mot de la chanson de près de huit ans et la chantaient avec véhémence en tant que chanteur Sean Caskey. Il a même admis qu’il ne connaissait pas le second couplet de la chanson – cela fait si longtemps qu’ils ne l’ont pas jouée.

Non seulement c’était bon de faire battre mon coeur avec des chansons que je admirais tant depuis des années, mais il est également impossible de dire à quel point un spectacle de Last Dinosaur est attrayant. Bien que les spectacles en direct soient toujours accompagnés de différentes nuances de couleurs et de couleurs, cela me fascine tout le temps. Les garçons ont une esthétique de bleu-vert et de pastel et l’utilisent à leur avantage avec un mélange de lumières bleues et violettes tournant dans différentes directions sur scène.

Bien, j’ai tendance à le dire souvent, mais le groupe sonne vraiment mieux que sur un enregistrement. Avec un mélange de voix du frère Caskey, de puissants riffs de guitare et de sons de synthé, Last Dinosaurs vous oblige vraiment à vivre et à tout absorber en ce moment. Comme si c’était même une option de ne pas danser à son humeur pop. Le groupe a organisé un concours de danse parmi les spectateurs et celui qui s’est senti le plus fou a remporté un t-shirt sur mesure. Eh bien, ça a vraiment attiré la foule.

Pratiquement sur scène, le public était à peine à l’écart du groupe et avait souvent l’occasion de le serrer dans ses bras et même de repousser le guitariste lead Lachlan Caskey sur scène après s’être plongé dans les bras de ses fans bien-aimés dans les coulisses. Cette nuit-là, le groupe faisait partie de la famille des dinosaures de Chicago.

Dernier concert de leur tournée à l’automne 2019, ils se sont éclatés à Chicago – et j’ai déjà très envie de revenir.

Le camp de Brooklyn Steel est généralement réservé aux spectacles de rock bruyant, mais le vendredi est devenu une chambre de confidentialité froide pour le « American Darkness Tour » acoustique de Chelsea Wolfe. L’auteur-compositeur-interprète soutient son dernier album, Birth of Violence, un album folk funky qui va à l’horreur, qui correspond à une interprétation live frugale et minimaliste. Wolfe tourne normalement avec un groupe complet, mais pour ses dates actuelles, elle n’a amené que sa guitare acoustique et un musicien mineur, s’appuyant sur la puissance de ses compositions et de sa voix pour porter les chansons. La collègue de Wolfe au label Sargent House, Ioanna Gika, a apporté son soutien et a créé une atmosphère similaire.

Entrée sur scène: Gika a ouvert le concert avec une sélection de son premier album Thalassa, sorti en avril. Ses cheveux blonds et sa robe blanche brillaient dans la faible lumière à travers l’obscurité de la scène. Un violoncelliste et claviériste la côtoyaient, créant des drones en cascade que Gika chantait de mélodies fragiles dans le registre aigu d’une sirène mythique. Les percussions glitch et les légères impulsions sonores permettent aux chansons de danser avec l’inattendu. Elle semblait à l’aise parmi les ombres, projetant la beauté de sa voix par opposition aux tons tristes du violoncelle et des tons mineurs de ses compositions.

Depuis le début de Gika, le lieu était plongé dans une mélancolie voilée. Peut-être était-ce la gueule de bois d’Halloween des spectateurs ou les mélodies retentissantes des interprètes qui justifiaient un décor théâtral plutôt que le repaire de Brooklyn Steel. Lorsque Wolfe a commencé sa performance, un spectateur s’est effondré et a dû être exécuté. Les plumes de la machine à brouillard emplissaient l’air, imprégnées d’un spectacle de lumière décadent qui faisait bouger les yeux en plein milieu, malgré la position statique de Wolfe, entourées d’une couronne rituelle en andouiller conçue par les artistes Ceremonia et Jean-Michael Barbe. Elle enfila une robe blanche victorienne, les épaules nues.

  Dès les premières notes de « Flatlands », il apparut immédiatement que le traitement acoustique était parfaitement adapté aux chansons de Wolfe. Les chansons ont été réduites à l’essentiel des accords et des voix et ont prospéré sous Wolfe en tant qu’auteur-compositeur-interprète doué. « Birth of Violence » et « Be All Things » se sont avérés lamenter des ballades slowcore lorsque les paroles de Wolfe étaient au premier plan. Ses œuvres enregistrées sont souvent imprégnées d’une esthétique sonore qui se prête bien aux comparaisons entre le rock gothique et le Dream Pop. Mais comme la musique acoustique de Neil Young, les chansons de Wolfe ont acquis un poids émotionnel supplémentaire grâce au caractère direct du son sans son. Livraison Knickknack. « Deranged for Rock & Roll » a pris un ton campagnard quand ils ont été découverts et « Boyfriend » a mis en avant ses demandes poignantes.

Bien que son collaborateur de longue date, Ben Chisholm, fournisse la guitare structurée et les notes d’accompagnement sur scène, ses contributions étaient prudentes, colorant les espaces vides entre les notes de Wolf plutôt que de dicter la perception de la musique. Un des temps forts de la série a été la reprise discrète du « Woodstock » de Joni Mitchell, alors que Wolfe se déplaçait de son lieu au centre pour chanter aux côtés de Chisholm. Wolfe a livré une performance vocale sans faille tout au long du set de 17 chansons, avec une touche de compression et d’égalisation pour donner à sa voix une brillance semblable à celle d’un studio au cours du concert. Wolfe a terminé la soirée seul avec sa voix et a joué une version a capella de « The Way We Used To » pour le rappel. Un cercle de brume tourbillonnait autour d’eux alors que la foule se figeait. Personne n’a bougé, personne n’a sorti son téléphone pour filmer. Ils ont regardé et écouté.

Préparer le terrain: Lorsque la légende du thrash metal Slayer a annoncé en janvier 2018 qu’elle était sur le point de se lancer dans une dernière tournée, les fans espéraient que ce ne serait pas le cas ou que le trek durerait des années. Et bien que la tournée ait duré près de deux ans, l’annonce de la dernière étape a donné aux partisans enthousiastes du groupe un sentiment de réalité: la fin était proche. La dernière étape, ou « The Final Campaign », comme l’appelle le groupe, est en cours, ce qui signifie qu’il n’y a pas beaucoup d’occasions de voir les pionniers du métal en concert. Et pour les fans de New York, cela signifiait voir Slayer au célèbre Madison Square Garden, ce qui rendait l’expérience encore plus mystique.

La foule pour le spectacle à guichets fermés dans la « plus célèbre arène du monde » est arrivée tôt parce qu’elle savait que la facture était superposée. À partir de 18h00, Philip Anselmo & The Illegals ont joué une série de classiques de Pantera, suivis par Industrial Stalwarts Ministry et les métalleux de funk expérimentaux Primus, qui ont ouvert la voie au décor de vedette de Slayer. Quelques cris isolés de « Slayer » résonnèrent dans les couloirs de Madison Square Garden alors que des têtes en métal montaient les escaliers mécaniques jusqu’à leurs sièges respectifs.

Entrée sur scène: À 17 h 59 précises, Philip Anselmo et les illégaux sont entrés sur la scène devant un public de taille très décente compte tenu de l’heure de début. Le chanteur a remercié la foule pour sa comparution rapprochée et a dédié le décor à ses regrettés camarades du groupe Pantera, les frères Vinnie Paul et Dimebag Darrell, avec qui il ne pourrait jamais se réconcilier avant leur mort prématurée. Anselmo et sa société ont commencé avec le classique du pouvoir vulgaire « Mouth for War » lorsqu’un grand nid-de-poubelle s’est formé dans le jardin. C’était une courte série de huit chansons, mais elle était emballée avec une chanson notable de Pantera, comprenant Becoming, Strength Beyond Strength, This Love et F ** king Hostile. Quand Anselmo et The Illegals ont plongé dans le légendaire « Walk », le Madison Square Garden était presque plein, l’un des plus grands riffs du métal étant accompagné d’un chant massif.

Le ministère est ensuite entré sur la scène environ 10 minutes avant la date limite fixée, date à laquelle Al Jourgensen et la société ont été lancés en 1988 dans The Missing (Le pays du viol et du miel). Comme Anselmo auparavant, le décor de Ministry était un tueur et non un bourrelet, composé de classiques du dernier catalogue du groupe. Ministry a eu quelques problèmes sonores pendant la couverture du « Supernaut » de Black Sabbath, mais sinon tout s’est bien passé. Les pionniers du secteur ont présenté une performance époustouflante de 40 minutes incluant « Stigmata », « Just One Fix », « N.W.O. » et la couturière du décor « Jesus Built My Hotrod ».

Sur papier, Primus a présenté un projet de loi éclectique à titre de soutien direct à Slayer après Anselmo et Ministry. L’attrait de Primus pour les légions de fans est indéniable, mais leurs confitures funky étaient presque un répit pour le public, qui respirait l’intensité du spectacle phare de Slayer. Cela ne veut pas dire que le public de Garden ne l’a pas senti, le groupe a été chaleureusement accueilli. Le chanteur Les Claypool a déclaré que Primus jouait rarement sur le côté, mais que l’opportunité d’ouvrir pour Slayer lors de la dernière étape de la tournée de Thrash Legends ne peut être refusée. En tant que l’un des meilleurs bassistes de Rock, Claypool a dirigé le groupe avec un ensemble de 12 chansons soulignés par « My Name Is Mud » de Closern et « Jerry Was a Race Car Driver ».

Avec des lumières tamisées et une iconographie projetée de Slayer devant la scène, l’heure était venue pour le spectacle final des maîtres du métal à New York. Lorsque Pyro explose hors de la scène, le canevas tombe par terre et Slayer lance la chanson titre de leur dernier album, Repentless. Ce n’était pas un hasard dès le début que le groupe produise des favoris tels que « Mandatory Suicide », « World Painted Blood » et « War Ensemble » dans la première moitié du set. Tom Araya a crié « Dieu nous hait tous » tandis que « Disciple » était absolument effrayant alors qu’il faisait écho à travers le caverneux Madison Square Garden.

Araya s’est tourné vers la foule à quelques reprises au cours de la soirée, essayant presque de dire ce que le spectacle voulait dire pour lui. Ses sentiments ont été brefs lorsque le groupe a laissé la musique parler. En regardant à travers la salle, il est devenu clair que c’était vraiment un spectacle à guichets fermés. L’endroit était rempli de fans qui voulaient faire l’expérience de l’histoire et presque tout le monde était debout pendant tout le set.

Les pièces classiques (et le pyro) n’ont pas diminué dans la seconde moitié de la série lorsque des chansons telles que « Seasons in the Abyss », « Chemical Warfare », « South of Heaven » et « Show No Mercy » ont été interprétées avec précision et puissance. , Kerry King et Gary Holt attaquèrent habilement leurs guitares en même temps que le batteur Paul Bostaph frappait les peaux. Tout ressemblait à une armée qui s’apprêtait à se battre. La voix d’Araya était en bon état, de même que sa basse alors qu’il suivait la vitesse effrénée des guitar heroes du groupe.

Puis il était temps de « Raining Blood » quand l’un des riffs de thrash metal provoqua un rugissement énorme de la part de l’arène. La chanson légendaire a été suivie par « Dead Skin Mask » et une version plus longue de « Angel of Death », qui a clôturé une charmante soirée de métal. Les membres du groupe sont restés sur scène pendant quelques minutes, prenant une photo avec la foule derrière eux et recueillant tout l’amour des fans enthousiastes.

C’était à la sortie de Madison Square Garden que la finalité de tout commençait à sombrer. Sur les escaliers mécaniques et à l’extérieur de l’arène, les supporters ont continué à applaudir, tandis que les cris de « Slaaayyyeeerrrr » et de « F ** cking Slayer » dans la salle se répercutaient. L’atmosphère ressemblait presque à une foule quittant le jardin après que les Knicks de New York eurent remporté une énorme partie en séries éliminatoires (quand et si cela se reproduisait!). Les fans ont flotté et ne voulaient pas que la soirée se termine. C’était probablement la dernière fois que les metalheads de la région voyaient les maîtres de Thrash vivre et ils ont pu assister à un foutu spectacle.